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Raimund Kummer: Mehr Licht (More Light), 1991 | Installation view library of the Hamburger Kunsthalle, Hamburg 1991 | Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie | Photo: Raimund Kummer | © VG Bild-Kunst, Bonn 2017

Berlin, Hamburger Bahnhof, bis 6. August 2017

Raimund Kummer. Sublunar Interference

The exhibition “Raimund Kummer. Sublunar Interference” at Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin features four large-scale sculptural works from different stages of Kummer’s oeuvre. The works, made between 1979 and 2017, address the subject of seeing and are exhibited together for the first time.

“Any site can be a potential site for art.” Raimund Kummer’s (b. 1954) interventions in urban space since the 1970s, as well as the forms of presentation that he developed, result from an understanding of art that no longer differentiates between the site of the work’s origin and the site where it is made public. Works following up on this – temporary installations, sound, staged photographs, sculptures, photographic and filmic works – can be ascribed to the starting point of Kummer’s work: the Realraum.


The title Sublunar Interference is a poetic allusion to the question of light and seeing as possible forms of perception. ‘Interference’ thus constitutes a notion of action that is set within the cosmic by the attribute ‘sublunar’. It denotes art’s infinite sphere of activity and the genre-spanning scope of Raimund Kummer’s oeuvre. Essential to his sculptures are questions derived from an experimental relationship to material and their resolution in practice, not the theoretical discourse of conceptual drafts. (off. press)


Dan Flavin: Ohne Titel (to Barbara Nüsse), 1971, MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main, Courtesy Estate of Dan Flavin / VG Bild-Kunst, Bonn 2017; Foto/Photo: Axel Schneider

Frankfurt/M., MMK MUSEUM FÜR MODERNE KUNST, bis 13. August 2017

Primary Structures. Meisterwerke der Minimal Art

Mit einer solchen Konzentration, Vielfalt und Qualität an Werken der Minimal Art wie sie in der Sammlung des MMK Museum für Moderne Kunst zu finden ist, kann in Deutschland kaum ein anderes Museum aufwarten. Die Ausstellung „Primary Structures“ im MMK 2 zeigt erstmals in einer umfassenden Schau die Meisterwerke dieses Sammlungsschwerpunktes.

Durch den Ankauf der ehemaligen Sammlung von Karl Ströher durch die Stadt Frankfurt im Jahr 1981 besitzt das MMK ein einzigartiges Konvolut von Werken US-amerikanischer Minimal Künstler der 1960er-Jahre, darunter umfangreiche Werkgruppen von Carl Andre, Walter De Maria, Dan Flavin, Donald Judd und Fred Sandback. Zudem gehören mit der 2006 von dem ehemaligen Galeristen und Sammler Rolf Ricke erworbenen Sammlung auch herausragende Werke des Postminimalismus zu den Beständen des MMK.

Die Vertreter der neuen Kunstströmung Minimal Art, die sich in den frühen 1960er-Jahren in den USA entwickelte, strebten in ihren Werken nach Objektivität, Logik und industrieller Fertigung ohne künstlerische Handschrift. Sie reduzierten ihre Arbeiten auf einfache übersichtliche und meist geometrische Grundstrukturen, sogenannte „Primary Structures“. (off. press)


Amphora with corals, 2nd.cent. AD.

Kopenhagen, Glyptotek, bis 20. August 2017

War and Storm Treasures from the Sea around Sicily

The spring special exhibition at the Glyptotek plunges deep beneath the surface and explores archaeological finds from shipwrecks off the coast of Sicily. The exhibition will be presenting a wide selection of treasures from shipwrecks, ranging across exclusive bronze wares, vases and weapons reflecting the many facets of Antiquity. With a time frame of almost 3000 years the exhibition also sheds light on the significance of the Mediterranean for trade, cultural encounters and perilous journeys and demonstrates that the ancient world was also globalised.

Trade, Perils and Mythology

By virtue of its geographical position alone, Sicily has always been a natural trading nexus for merchants from near and far. So such races as the Phoenicians, Greeks, Romans, Byzantines, Arabs and Normans have exchanged goods, knowledge and cultural customs and have contributed to the island’s reputation as an exotic marketplace. This diversity has also led to the playing out of cultural strife on Sicily. This often resulted in naval battles and the exhibition also displays the legacy of this in the form of, for instance, war helmets and ships beaks for the ramming of enemy vessels. Today, shipwrecks form a wreath around the island like a unique pearl necklace - from warships sunk in historical sea battles to merchant vessels which foundered under the assault of wind and weather.

At the same time Sicily and the surrounding sea have always been an area where reality and mythology meet. One example of this is the way the island constituted a setting for the tale of how the narrow, dangerous Straits of Messina were the domain of the sea-monsters Scylla and Charybdis. The sea was clothed in mystery, and the exhibition illustrates the ancient world’s notions of sea-monsters, sirens and sea gods. (off. press)



William Blake, 1757-1827, Pity c.1795, Colour print, ink and watercolour on paper, 425 x 539 mm, Tate. Presented by W. Graham Robertson 1939, Photography © Tate 2016
Tracey Emin, born 1963, My Bed 1998, Box frame, mattress, linens, pillows and various objects, Overall display dimensions variable. Lent by The Duerckheim Collection 2015, © Tracey Emin. All rights reserved, DACS 2016

Liverpool, Tate Liverpool, to 3 September 2017

Tracey Emin and William Blake in Focus

Tate Liverpool focuses on the work of Tracey Emin (b. 1963) and William Blake (1757-1827) to reveal surprising links between the two artists. The free display juxtaposes important works from the Tate collection, demonstrating a shared concern with spirituality, birth and death in both artists’ work. 

At the heart of the display is one of Britain’s most renowned artworks of the past 20 years, Tracey Emin’s My Bed 1998. This will be the first time My Bed has been displayed in the north of England.

Featuring Emin’s own bed with stained sheets, personal objects and detritus, it offers an unflinching self-portrait in which the artist herself is absent. Combining public with domestic realms, this iconic work expresses ideas of containment and isolation while asserting the artist’s thematic preoccupations, including birth, death, dreams and sex. 

My Bed, along with drawings by Emin from the Tate collection, will be presented alongside those of the visionary British poet and artist, William Blake. Presented in the context of Emin’s empty bed, and symbolising the absent figure, works include Pity c.1795 and The Crucifixion: ‘Behold Thy Mother’ c.1805 and other figurative works. 

Blake stood against the hypocrisies of his age and was vocal in his support of liberalism, sexual freedoms and above all advocated for unrestrained imaginative freedom of expression. The new display affirms Blake’s Romantic idea of artistic authenticity through existential pain and the possibility of spiritual rebirth through art shared in the work of Tracey Emin. 

Following the display of My Bed 1998 at Tate Liverpool, the work will be shown at Turner Contemporary in Margate, Emin’s home town. This will provide a unique opportunity for audiences across the UK to see one of the most defining works of British art in recent years. The Duerckheim Collection acquired the work in early July 2014 and it is now on loan to Tate for 10 years. 

Tracey Emin and William Blake in Focus is curated by Darren Pih, Exhibitions & Displays Curator, Tate Liverpool. (off. press)


Adrian Piper, The Probable Trust Registry: The Rules of the Game #1-3, 2013-2017, Installation + Group Performance: 3 graue raumhohe Wände, 3 runde goldene Tresen, goldene Reliefbuchstaben, 3 Lesepulte, 3 Stehhilfen, Computersystem, 3 Rezeptionsten (pro Tresen eine Person), Format variabel, Detail: The Rules of the Game #1, Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie / Thomas Bruns. Sammlung Staatliche Museen zu Berlin, Nationalgalerie. 2016 Schenkung der Freunde der Nationalgalerie. © Adrian Piper Research Archive Foundation Berlin. © APRA Foundation Berlin

Berlin, Hamburger Bahnhof, bis 03.09.2017

Adrian Piper. The Probable Trust Registry: The Rules of the Game #1-3

Der Hamburger Bahnhof – Museum für Gegenwart – Berlin zeigt ab dem 24. Februar die erste museale Einzelausstellung von Adrian Piper in Deutschland. Bei „The Probable Trust Registry: The Rules of the Game #1-3“ (Das Verzeichnis der wahrscheinlich Vertrauenswürdigen: die Regeln des Spiels Nr. 1-3) wird das gleichnamige Hauptwerk der Künstlerin präsentiert, das kürzlich für die Sammlung der Nationalgalerie – Staatliche Museen zu Berlin erworben wurde.

Über den Zeitraum von sechseinhalb Monaten stehen in der historischen Halle des Museums drei identische, goldfarbene Tresen, die vor grauen, deckenhohen Wänden platziert sind. Während der gesamten Laufzeit der Ausstellung stehen an den Pulten Rezeptionistinnen und Rezeptionisten, bei denen die Besucherinnen und Besucher einen Vertrag mit sich selbst abschließen können. Darin verpflichtet sich jede/r Einzelne freiwillig dazu, fortan das eigene Handeln an ethischen Prinzipien wie Ehrlichkeit und Verbindlichkeit auszurichten. Die Einträge werden in einem Verzeichnis erfasst, das „Probable Trust Registry“, das alle Teilnehmerinnen und Teilnehmer am Ende der Ausstellung erhalten. Sie bilden eine Gemeinschaft von Personen, die wahrscheinlich zukünftig vertrauensvoll sind.

„The Probable Trust Registry: The Rules of the Game #1-3” ist gleichermaßen Installation wie partizipative Gruppenperformance. Das Werk verhandelt auf dialogische Weise, wie Vertrauen gebildet wird und zielt damit auf die Grundlagen zwischenmenschlicher Beziehungen ab. In einem größeren Zusammenhang wirft es philosophische, aber auch ganz praktische Fragen zu demokratischen Prozessen und individueller Verantwortung auf, denn es fordert die Besucherinnen und Besucher nicht nur zu einer Aktion –  einem persönlichen Bekenntnis – auf, sondern bringt uns dazu, über unser tägliches Handeln und dessen Konsequenzen auf politischer, ökonomischer und sozialer Ebene nachzudenken.... (off. press)


SARAH MORRIS, International Creative Management [Los Angeles], 2006, Foto: Lenbachhaus, Städtische Galerie im Lenbachhaus und Kunstbau München, Sammlung KiCo

München, Lenbachhaus, bis 8. Oktober 2017

Mentales Gelb. Sonnenhöchststand – Die Sammlung KiCo

Die Städtische Galerie im Lenbachhaus zeigt in Kooperation mit dem Kunstmuseum Bonn die Ausstellung »Mentales Gelb. Sonnenhöchststand«. Die Präsentation ist der Sammlung KiCo von Doris Keller-Riemer und Hans-Gerd Riemer aus Bonn gewidmet, die seit Mitte der 1990er Jahre an beiden Museen in Bonn und München beheimatet ist. Der Schwerpunkt der Sammlung lag in ihren Anfängen auf monochromer Farbmalerei, hat sich jedoch im Lauf von zwei Jahrzehnten auf ein weites Spektrum von Gegenwartskunst bis hin zu raumgreifenden Installationen ausgedehnt. Ankäufe erfolgen unter der Prämisse, vollständige Werkgruppen oder ganze Raumkonzepte in die Sammlung zu integrieren. Die erworbenen Werke sollen den öffentlichen Museen dauerhaft zur Verfügung stehen. In enger Zusammenarbeit und Abstimmung zwischen den Sammlern und den beiden Museen wird die Sammlung kontinuierlich erweitert und ermöglicht so die sinnvolle Ergänzung auch der Museumsbestände. Die Sammlung KiCo unterstützt das Lenbachhaus ebenso wie das Kunstmuseum Bonn ganz maßgeblich dabei, ihre jeweils eigene Sammlungspolitik auch in den kommenden Jahren entsprechend fortzusetzen.

Künstlerinnen und Künstler in der Münchner Ausstellung:
Franz Ackermann, Thomas Bechinger, Karla Black, Monica Bonvicini, Martin Boyce, Angela Bulloch, Heinz Butz, Antonio Calderara, Thomas Demand, Inge Dick, Thea Djordjadze, Ólafur Eliasson, Ceal Floyer, Isa Genzken, Katharina Grosse, Wade Guyton, Marcia Hafif, Charline von Heyl, Daniel Knorr, Maria Lassnig, Erik van Lieshout, Sarah Morris, Arnulf Rainer, Gerhard Richter, Rolf Rose, Karin Sander, Tomas Saraceno, Thomas Scheibitz, Adrian Schiess, Wolfgang Tillmans, Corinne Wasmuht

Kuratiert von Eva Huttenlauch und Matthias Mühlinn (off. Press)


Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza, 4 Juli bis 15. Oktober

Sonia Delaunay. Art, design and fashion     

This summer the Museo Thyssen-Bornemisza is presenting Sonia Delaunay. Art, design and fashion, the first exhibition in Spain to be entirely devoted to this artist. As such its intention is to emphasise not only her important role as an avant-garde painter but also the way in which she successfully applied her aesthetic ideas to everyday life. 

Delaunay’s work as a painter will be exhibited in the Museum’s galleries alongside her designs for books, theatrical sets, advertising, interiors, fashion and textiles as well as items of clothing. In total there will be 210 exhibits loaned from public institutions such as the Centre Pompidou, the Bibliothèque nationale de France, the Musée de la Mode de Paris and the Museo Reina Sofía in Madrid, as well as from private collections. 

The exhibition, which is benefitting from the collaboration of the Comunidad de Madrid, will thus reflect recent art-historical research which has reassessed Delaunay’s career with the aim of highlighting the multi-disciplinary nature of her work which allowed her to explore supports and techniques other than painting. (off. press)


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